Este sábado 26 de mayo en una nueva versión de Noches a Gogo en Bar Loreto, se presenta la banda argentina Rolando Bruno y su Orquesta Midi, con repertorio inspirado en la cumbia amazónica de los ’70.

Para la fiesta, música de los ’60 en vinilo a cargo de DJ Manyin y Rolando Bruno. Todo en Bar Loreto desde las 23:30 horas. Tenemos 3 entradas simples para regalar entre los que nos dejen su nombre y apellido en los comentarios.

Noches a Gogo en Bar Loreto
Sábado 26 de mayo
Loreto 435 – 23:30 horas
Rolando Bruno y su Orquesta Midi
+post party ’60 con
Dj Manyin
Dj Rolando Bruno

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Chromeo, Capital Cities, Tiger & Woods y Mecánico
Jueves 17 de mayo
Aniversario Fauna en Centro de Eventos Chimkowe

Fotos por Rodrigo Ferrrari

La pregunta rondó en las redes sociales: ¿por qué alguien querría ir a Chromeo la misma noche que Mogwai se presentaba en nuestro país? Comparados con los de los escoceses, los méritos de la dupla canadiense quedaban cortos. Aunque, seamos sinceros, poner en el mismo plano a Chromeo con Mogwai, era como mezclar peras con… lechugas: estilos distintos, actitudes distintas, ¡públicos distintos! Sin embargo, ahí estuvieron las opiniones desinformadas, las múltiples descalificaciones cruzadas y muchos malos chistes. Y es que el cotilleo, para bien o para mal, puede predisponer el ánimo de la asistencia.

O no.

El Centro de Eventos Chimkowe, ubicado a un costado de la Municipalidad de Peñalolén, no era el lugar más apto para este tipo de velada: es tanto un centro de eventos como un gimnasio. Amplio y cómodo pero, a una cuadra del lugar, todo se escuchaba muy fuerte. En el interior, la situación no mejoró: al no tener ningún tipo de aislación, cualquier sonido emitido desde el escenario, reverberaba diez veces. A veces, estos hechos, merman el estado de ánimo, las ganas de quedarse en el lugar se esfuman y dan ganas de partir corriendo.

A veces.

Un par de horas antes del show de Chromeo se presentaron los nacionales Mecánico. La insistencia de Club Fauna en colarlos en gran parte de sus shows es incomprensible: aunque lo intenten, Mecánico no será la next big thing chilena y su frágil propuesta, un synth-pop post-adolescente insulso (¡y en inglés!), hace agua por todos lados.

Cosa similar ocurrió con Capital Cities: con dos singles rotando en algunas radios nacionales y solo un EP de cinco canciones recientemente editado, es difícil saber si tenían las credenciales necesarias para ser uno de los platos de fondo del tercer aniversario de Club Fauna. De no ser por esa refrescante reversión del “Holiday” de Madonna con que cerraron su presentación, lo de Capital Cities bien pudo pasar a la categoría de anecdótico. Con esto como antecedente, y más allá de la gran concurrencia de público, la jornada parecía venirse a pique, al menos en lo artístico.

Sí, parecía. En condicional, por cierto.

Aunque a algunos les indigne, lo cierto es que Chromeo no es una banda del montón. Construyen su presentación en base a hits y los desarrollan con un entusiasmo poco común. Hacen participar al público en todo momento, juegan con sus instrumentos y parodian, con mucha gracia, todos los clichés de la música popular: los solos de guitarra, el uso del talkbox o las coreografías sincronizadas.

Además, deslizan, sin pudor alguno, más de un homenaje (algunos explícitos, como en el caso de Dire Straits y otros implícitos como en el caso Zapp & Roger y el siempre omnipresente Michael Jackson). Todavía más: aunque tuvieron el peor sonido de la noche, la dupla canadiense suplió todo con su enorme carisma. Los aplausos, los gritos de admiración y los infinitos pasos de baile que el público les dedicó, fueron más que merecidos.

Lo de Tiger & Woods, elegante y sólido, bien se merecía otro escenario y otro contexto. Porque si lo de Fauna era un aniversario, lo suyo no parecía para fin de fiesta. Bajo el efecto de alguna droga y cerrando una calurosa tarde de verano, el future boogie de la dupla, habría tenido mucho más sentido que en una fría madrugada de otoño. A fin de cuentas, al término de un cumpleaños, lo que uno espera es gente borracha, contenta y excitada, y no tapada en un enorme abrigo, peleándose por un taxi que, más encima, cobra el doble de lo que debería.

Puedes revisar la galería completa, con fotos de Rodrigo Ferrari, acá o en nuestro Facebook.

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Domingo 27.05.2012
Radio Duna 89.7
23:00 hrs.

En esta edición presentaremos los nuevos trabajos de Sigur Rós (Valtari), P.I.L. (This is PIL), Damien Jurado (Maraqopa), Breton (Other’s people problems), Electric Guest (Mondo) y The Spinto Band (Shy pursuits).

Recuerden que pueden suscribirse al podcast de Super 45 desde Radio Duna o copiando esta URL http://feeds.feedburner.com/Super45Podcast en tu lector de podcasts favorito.

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En el verano del 2004 tuve la suerte de hacer un programa de radio que se llamaba “Sit Back and Relax”. En él tocaba sólo música para relajarse, meditar, tomarse un trago bajo una palmera, o para poner de fondo en un museo o ascensor.

Mucha gente llamó para felicitarnos por poner un programa al aire que por fin tocaba música distinta, lejos del ruido que se escucha a diario. Por otro lado, otros llamaron para confesar que se habían dormido escuchándolo y que lo grabarían para cuando tuvieran insomnio (ellos usaron palabras mucho mas hirientes en sus llamadas). Debe ser que hay estilos musicales que uno puede no disfrutar, pero debe haber pocos que si no te gustan te noquean.

Digo todo esto para advertir que el álbum de Orcas viene con almohada de regalo.

Orcas es el nuevo proyecto de Benoît Pioulard y Rafael Anton Irisarri. Si nunca has escuchado sus nombres quizás podrías pensar que es un dúo formado por un francés y un español. Nada más lejos de la realidad; Benoît se llama realmente Thomas Meluch y es oriundo de Michigan. Rafael nació en Seattle, es uno de los miembros de The Sight Below y ha colaborado con gente como Fennesz, School of Seven Bells, Pantha Du Prince, etc.

Conociendo la obra de estos dos artistas no es sorpresa que esta colaboración sea una colección de pistas más bien lentas; to sit back and relax. De hecho, Orcas es un disco donde la melodía y los ambientes creados, con voces y máquinas, son lo preponderante. Uno incluso podría afirmar que (sorprendentemente) en éste álbum lo rítmico es casi inexistente.

Es interesante notar que la falta de ritmo mencionada en el párrafo anterior implica que sólo una faceta de Irisarri esta presente en Orcas (no nos olvidemos que The Sight Below grabó Glider, una joyita minimalista que publicó Ghostly en 2008). La verdad es que la cara de Irisarri que se muestra en este disco no es la que grabó Glider, sino la que grabó It all falls apart, un álbum mucho más shoegaze y menos “Hawtin-esque”, que el citado Glider.

Algo similar ocurre con la contribución de Pioulard. Lo suyo en este álbum no es su onda más drone, que se puede encontrar en Valley y en Plays Thelma, sino que su delicadeza y bellos acompañamientos vocales, muy cercanos a los que aparecen en sus mejores trabajos: Lasted y Précis.

Orcas empieza con un par de temas (“Pallor cedes” y “Arrow draw”) que me recuerdan a David Sylvian circa 1986-87. Ya sé que esto podrá significar para muchos apretar stop y luego hacer delete pero no hay que dejarse engañar por apariencias. Ambos temas funcionan bien como una introducción al disco y el parecido con Sylvian no pasa de ser un efecto creado por la cálida voz de Pioulard, la cual es acompañada por algo de guitarra y no mucho más.

¿Más Sylvian? Hay un tercer tema en Orcas que se podría denominar como “Sylvian-esque”: “I saw my echo”, el cual guarda cierto parecido con “Pallor cede”s y “Arrow drawn”, pero que es mucho más que eso ya que, en “I saw my echo”, la voz/guitarra combo es acompañado por unas notas en piano, un beat lento pero que lleva casi todo el peso del desarrollo de la canción. Además, llegando al punto medio de la canción se produce un quiebre (cosa rara en este álbum), una invasión de sonido que deja con ganas de más. Y es una suerte que recibamos más: gran tema.

“Standard error” es un tema bellamente construido sobre la base de un loop que por los primeros tres minutos del tema parece estar siempre in crescendo. Poco a poco capas de sonido se agregan y transforman la obvia repetición del ya mencionado loop, en el soundtrack de un  sueño en el que levito sobre las verdes colinas de Escocia (acompañado por una pelirroja, obvio).

“Standard error” es seguido por “Carrion” (el ‘single’ del disco) donde, si uno pone atención, se puede escuchar a Irisarri acompañando la voz de Pioulard con guitarras a lo Robin Guthrie. Es bastante obvio ver porque “Carrion” es el corte que Morr decidió sería usado para promocionar el álbum, aunque esto no significa que sea el mejor del disco.

“A subtle escape”, “Certain abstractions” y “High fences” crean la columna vertebral del disco, y de paso, son los temas mas “drone” de éste. Todos tienen ese típico sonido supersaturado de fondo. La diferencia radica en que en los primeros dos cortes Orcas se las arregla para mantenerlo todo a un nivel escuchable. Quizás el truco es que las voces están en un muy claro primer plano, y por ende guían (y también crean) la melodía que termina cubriendo todo ese ruido. Al contrario, en “High fences” todo se reduce a esa angustiante búsqueda de esos pequeños ruiditos que lo sacan a uno de la monotonía del fondo musical. Vale la pena mencionar que “High fences” es el tema que cierra el álbum, y por ende uno termina con gusto a poco y apretando play de nuevo.

Mención aparte merece “Until then”. Canción que fue compuesta como un tributo a Trish Keenan. Irisarri y Pioulard estaban grabando Orcas cuando la recordada vocalista de Broadcast falleció. Este es un bello cover; simple y emocional. Para mi gusto lo mejor del álbum.

Disponible en Tienda Sonar en formato CD a $13.900 y vinilo a $16.900. Tienda Sonar está ubicada en Paseo Las Palmas, local 017, Providencia.

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Los veteranos y activos post punkies Public Image Ltd., o PIL en corto, hace poco presentaron el video para “One drop”, primer corte de lo que será su anunciado nuevo álbum, el primero tras casi dos décadas de receso discográfico.

John Lydon y sus hombres también estrenaron a través de Rolling Stone la canción “Deeper water”, incluida igualmente en el nuevo disco, y que puedes escuchar siguiendo este enlace. This is PIL verá la luz muy pronto (29 de mayo) en PiL Official, sello del grupo, y ya puede pre-adquirirse vía Itunes. Mira más abajo el video para “One drop”.

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Mogwai en vivo
Jueves 17 de mayo
Teatro La Cúpula

Fotos por Rodrigo Ferrari

Menos ruidosa, más emocionante: anoche los tapones para los oídos sobraron en La Cúpula

Stuart Braithwaite, guitarrista y cabeza pensante de Mogwai, es hijo de un constructor de telescopios. Cuando niño, mientras sus amigos veían tele, él contemplaba los anillos de Saturno. Lo que quizá sirve para explicar, a la manera gruesa en que se explican las cosas en la ficción, donde una escena o una foto sirven de razón y motivo, por qué la música de Mogwai tiene algo de retraído y distante.

Braithwaite, como para demostrar aquello, sube primero al escenario con una camisa abotonada hasta arriba, a pesar del humo que ya calienta la Cúpula y de que esa misma camisa ya evidencia unas pequeñas manchas oscuras bajo sus brazos. Como para demostrar su preocupación por la gente que espera ante él, da las gracias en español, y sin más, él y la banda se lanzan de cabeza a una lectura de “White noise” llamativa por lo pulcra, por lo minuciosa.

Dicen los astrólogos, esa tropa de aprovechadores que traducen los movimientos de los astros en profecías lucrativas, que la órbita de Saturno, que demora más o menos treinta años en retornar al mismo punto alrededor del sol, es una especie de reloj de la madurez de una persona. Que cada treinta años atravesamos “umbrales” que nos hacen más sabios, más evolucionados. Patrañas, sí, porque la madurez de Mogwai, si es que se puede hablar de proceso en un grupo que siempre ha escrito desde una adultez casi apabullante, se demoró harto menos de treinta años en llegar.

Porque tal como dijo Braithwaite en la entrevista previa a su llegada, hoy su banda ya no está para rabiosas demostraciones de ruidismo gratuito, ya no está para el odio ni la agresión porque sí. Hoy, más que nunca, están preocupados de su música, y eso debería bastarnos. La evolución que ha evidenciado Mogwai en los cinco discos que editaron desde la última vez que vinieron -desde la primera vez que vinieron- se traduce en una puesta en escena más tranquila y eficaz, pero no por eso menos intensa.

Otros cambios hubo anoche, también entre el público: quizá porque las cámaras de la vida social apuntaban anoche en otra dirección, la mayoría de los que llenaron La Cúpula eran derechamente devotos. Ausente estaban las conversaciones durante la presentación, los ruidos fuera de lugar, la legión de celulares inteligentes grabando todo y bloqueando la vista. También, el regreso de Mogwai evidencia cómo ha cambiado nuestra modesta pero onerosa industria del espectáculo: basta comparar los 25 mil pesos que costaba la entrada (más cargo por servicio), prácticamente el doble de lo que costó verlos en el Teatro Novedades en 2002.

Las visuales fallaron una y otra vez y al final lo que dominó en el escenario fueron sólo cinco músicos que se conocen desde el colegio, y que han perdido juntos buena parte del cabello de sus cabezas. Que se conocen entre ellos mejor de lo que se conocen nunca muchas familias. Y eso ya es espectáculo suficiente. La música de Mogwai tiene el poder, como esas manchas de tinta que tanto fascinan a los psicólogos, de hacer que cada uno proyecte lo que quiera en su compleja estructura.

Los escoceses han hecho del crescendo dramático y del revés sorpresivo su profesión: sus composiciones suelen comenzar con melodías engañosamente plácidas que anticipan futuros ataques de estridencia controlada. En ese sentido, lo de anoche fue una demostración de músculo y precisión al servicio de su música. Que Braithwaite mismo define sencillamente como rock, pero que se encumbra a lugares que están muy por encima de eso. Ante el paisajismo sonoro de Mogwai, que puede ser brutal o plácido, al público sólo le queda mecerse, emocionarse y gritar.

Puedes revisar la galería completa de las fotos del show de Mogwai, tomadas por Rodrigo Ferrari, acá abajo o en nuestro Facebook.

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De alguna manera, Lotus Plaza es a Lockett Pundt lo que Atlas Sound a Bradford Cox. O sea, los proyectos paralelos de la banda estadounidense Deerhunter. Si bien ninguno iguala el nivel de esta última, son trabajos, por lo menos, interesantes. De ahí la probabilidad que un auditor atento que escuche por primera vez a Lotus Plaza y no sepa de esta conexión, se ponga suspicaz ante la similitud de su sonido con el de la banda nodriza.

Y esto es natural debido a que en ambos proyectos el tratamiento de las guitarras es la marca de la casa: trabajados (y simples) arpegios y riffs, feedbacks impecablemente elaborados e infatigables loops se combinan para crear borrosos y canábicos pasajes en los cuales el shoegaze y la sicodelia se funden todo el tiempo. Las baterías acompañan, y se concentran en seguir un patrón definido que servirá para acentuar el carácter hipnótico de Lotus Plaza.

Las canciones de Pundt tienen una esencia pop y un aspecto cantabile que se descubre bajo el enjambre de filtros, reverberaciones y ecos. Spooky action at a distance, el disco que nos convoca, fue grabado en Detroit en 2011, y es concientemente más directo y menos hermético que su predecesor, The floodlight collective. Lockett decidió airear de tanto efecto sus composiciones (¡imaginen qué queda para The floodligh collective!), para que ganaran en cuerpo y personalidad, y pudieran ser interpretadas en vivo tal cual fueron grabadas.

En Pundt puede advertirse un camino que músicos y compositores indie transitan a menudo: desde una etapa de distorsiones y pedales desbocados, y en que el logro de la atmósfera sonora es central, en desmedro de, por ejemplo, un tratamiento vocal más acabado –a menudo ocultando una cierta inseguridad del cantante en sus medios- se pasa a una segunda etapa en que mejora la confianza, se valora más la canción en sí misma, liberándola (un poco) de ruidos y capas de sonido, y se perciben letras más personales y directas.

En cuanto a Spooky…, su primera canción propiamente tal, “Strangers”, da la nota para el resto del álbum. Su ritardando final da inicio a los lisérgicos pasajes que se repetirán a lo largo del disco. Junto a “Out of touch”, fueron compuestas con una kid’s drum set comprada en una tienda de descuentos (¿indie en estado puro?). En “Jet out of the tundra” la disonancia del piano respecto de la armonía rememora por momentos a Stereolab, de quien Pundt se ha declarado fan. “Dusty rhodes” es la canción pa la polola, con imágenes líricas amables e íntimas. “Remember our days” y su pulso krautrockero está dedicada a la abuela muerta durante la grabación. Y “White galactic ones” parece haber salido de un manual de My Bloody Valentine.

Y por último, “Black buzz”, la canción que cierra el disco, plantea una serie de interesantes conjeturas. Musicalmente es simple, despojada, y fue compuesta pensando en la cadencia y reverberancia cowboy de Lee Hazlewood, pero resultando en algo bien distinto. Los teclados finales hacen pensar en lo dicho por Pundt en cuanto a que estaba harto de las guitarras, lo que es paradojal si se piensa que es la principal característica de Lotus Plaza y Deerhunter.

Más aún, en la misma entrevista, señala que es su mejor canción hasta la fecha. Y si pensamos que Pundt es el autor de Desire lines, uno de los máximos himnos indie en lo que va de siglo, entonces estamos ante un dato no menor. Estirando el elástico, ¿podríamos esperar en el futuro cercano una versión más synth de Deerhunter?

Dada la volatilidad de la música actual, lo más probable es que no ocurra nada extraordinario y que en un tiempo más escuchemos este tipo de discos con nostalgia o mero ánimo revisionista. Pero también cabe la posibilidad de estar ad portas de una nueva vertiente de la música pop de los siguientes lustros. Ojo con este tipo.

Disponible en Tienda Sonar en formato CD a $12.900. Tienda Sonar está ubicada en Paseo Las Palmas, local 017, Providencia.

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El sello local Quemasucabeza (Gepe, Pedropiedra, Mostro, Caravana) anunció la realización del Ciclo Neutral de Invierno, una serie de shows en el Centro Cultural Gabriela Mistral, Gam para los amigos, desde el miércoles 3 al sábado 7 de julio.

Al igual que en el concurrido Festival Neutral organizado en marzo, las grandes figuras del sello realizarán shows especiales, y en esta oportunidad el evento tiene un atractivo adicional: los míticos Congelador se suman al cartel, que puedes revisar más abajo.

Ciclo Neutral de Invierno

Martes 3 de julio: Gepe
Miércoles 4 de julio: Pedropiedra
Jueves 5 de julio: Coiffeur
Viernes 6 de julio: Fernando Milagros
Sábado 7 de julio: Congelador + Mostro

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Cortesía de la producción, sorteamos 4 invitaciones simples entre los que nos dejen su nombre y apellido en los comentarios.

Ganadores (Lista)

Carlos Rosas
Jorge Olea
Víctor Miranda
Viviana Gallardo

Espacio Cellar presenta
Nueva Orleáns en vivo
Dj Nintendo
Dj Lego Moustache
Dënver DJ set
Viernes 18 de mayo – 23:00 horas
$2.000
+Info

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Las expectativas eran altas, pero en nada se acercaban a lo que estábamos a punto de experimentar. Porque vamos, sabemos cómo son los festivales en Chile. Siempre hay algo que criticar. Y si bien no todo fue perfecto, ya que el robo de celulares y la escasa señalización de los espacios le dieron un toque negativo al evento, lo que se vivió en Sao Paulo fue simplemente espectacular.

A lo largo de estos días post-Sónar, los medios se han dividido entre críticas a los precios de las entradas, a la masividad (o no) de los artistas y al análisis alrededor de lo que significa para Brasil un evento de esta índole.

Caracterizado por ser un festival de música avanzada, el Sónar estuvo marcado por la multiciplicidad y el valor otorgado tanto a los artistas nacionales, como a los de peso y trayectoria sin dejar de lado a los emergentes. La apuesta por nuevos sonidos, el riesgo y la distinguida actitud del público, fueron sin duda algunos de los puntos sobre los que en algún momento debiéramos poner más atención.

Cosas “simples” pero descolocantes

1. Buena onda

Imagínense un lugar con 14 mil personas. Es inevitable empujar a alguien, sufrir la aglomeración de gente para ir al baño, para moverte de un escenario a otro o incluso para comprarte una bebida… mmm… ¿me creen si les digo que cada persona que pasaba al lado mío, pedía permiso e incluso disculpas si llegaba a rozarme el brazo? Más encima, siempre con una sonrisa.

2. A pasarlo bien

Quizás sea parte de la cultura en torno a la música y a los conciertos, pero acá la gente realmente venía a disfrutar, a pasarla bien y no a figurar con ganas de salir en las “socialwebs”. En escasos momentos vi gente sacando fotos con sus celulares. De hecho a los “gringos” (o sea, nosotros) nos miraban raro si pasábamos más de media canción sacando fotos.

3. Organización

Si bien es cierto que el punto débil del festival fue la ausencia de señalización de los espacios, detalles como la sincronización de los bartenders para atenderte hasta la disposición de taxis a la salida (que circulaban todo el rato, y nunca dejaban de llegar) nos dejaron “plop”. Otra cosa que nos dejó casi en shock, fue el nivel de profesionalismo y atención dedicado a los periodistas y fotógrafos. Con una sala especial, contábamos con todos los materiales necesarios para hacer nuestro trabajo, desde computadores hasta bebidas y snacks (all night long).

4. No caos

En ningún momento me tocó ver situaciones caóticas, agolpamiento de gente, empujones o estampidas. Y eso que había 14 mil personas transitando de un lugar a otro.

5. Diversidad

El Sónar no sólo contaba con artistas de 25 países, también entre el público encontrabas españoles, argentinos, ingleses y… chilenos. Post-rock, tecnobrega, synth pop, rap, dubstep, glitch, house, tecno, ghettotech, cumbia, soul, funk… era cuestión de atravesar una galería o entrar a un anfiteatro para, en cuestión de minutos, pasar por casi todos los géneros y estilos. En definitiva eso fue el Sónar SP, un festival en el que se pensó tanto en el fan como en el colector de nuevos sonidos, en el profesional, el artista y el público en general.

Pronto en la quinta parte y final de este informe, presentaremos un resumen de los shows más destacados.

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El adelantado sello de música electrónica Cómeme (Matías Aguayo, Rebolledo, Diegors, Ana Helder) regresa recargado, con un renovado sitio web y el lanzamiento de su referencia #14, a cargo de Isaac Johan. Muy pronto estrenarán también un nuevo trabajo de Nickel Ride.

Además, el colectivo anunció la creación de una radio donde se podrán escuchar mixes y shows de artistas y amigos del sello, coordinada por el Alejandro Paz, con la colaboración del Mostro Carlos Reinoso.

Revisa lo nuevo de Cómeme en su flamante sitio web y escucha más abajo “Every time i see your face”, de Isaac Johan.

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A días de la edición del esperado nuevo trabajo discográfico de The Walkmen, la banda presenta un nuevo track, esta vez se trata de “The house you made”, tema que acompaña a “Heaven”, sencillo que da nombre al álbum.

El disco se lanza oficialmente el 29 de mayo a través del sello Fat Possum, y es el séptimo en la carrera de los neoyorquinos encabezados por Hamilton Leithauser, sucesor del laureado Lisbon, publicado en 2010.

Escucha a continuación “The house you made”.

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Astro se alistan para viajar a España a participar en el festival Primavera Sound, y para recaudar fondos han organizado una fiesta este viernes 18 de mayo en Espacio Z (Santa Elena 770, esquina 10 de Julio).

En la ocasión se presentarán algunos de los miembros de la banda, además de los DJ sets de Vale Montalvo y Zeta Moustache. Cortesía de la producción, regalamos 3 invitaciones simples entre los que nos dejen su nombre y apellido en los comentarios.

Ganadores (Lista)

Gonzalo Núñez
José Miguel Mardones
María José Troncoso
Karen Pardo

Astro de fiesta en Espacio Z
+Vale Montalvo y Zeta Moustache!
Viernes 18 de mayo – 23:00 horas
Santa Elena 770, esquina 10 de Julio
$3.000 preventa (contacto@discosriobueno.com)
$4.000 puerta

 

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De las cosas que han cambiado y de las que siguen igual desde la última vez que estuvieron en Chile, hace casi diez años, habla Stuart Braithwaite, que, aunque evita la palabra líder, es lo más parecido a una cabeza que tiene Mogwai, que se presenta este jueves en el teatro La Cúpula.

La noche del 19 de mayo del 2002, en el desaparecido teatro Novedades, los cinco músicos de Mogwai causaron tanto estruendo desde el escenario, que a la salida de ese recital, inolvidable para los que estuvieron ahí, lo que más oían los que todavía podían escuchar algo era una especie de aburrido mantra unánime: “estaba muy fuerte, ¿ah?”.

Mogwai es un grupo de intensidades y decibeles fuera de control, es cierto, pero esa primera impresión es demasiado mezquina y simplista: Mogwai, el grupo formado por un núcleo de amigos de colegio en 1991, no es ni un experimento extremo de virtuosismo para dejar sordo a medio mundo ni tampoco una agrupación que haga música sólo para una elite de entendidos. Como explica Stuart Braithwaite, fundador y lo más parecido a un rostro visible de Mogwai, su grupo es, sencillamente, una banda de rock.

¿Alguna vez se sintieron cómodos en la casilla “post rock”? No sé si te pasa, pero encuentro que la frase es tan definitiva, de alguna manera implica que el rock murió y que ustedes y otras bandas son lo que venía después…

No, no nos gusta para nada esa frase. Nunca nos gustó, la verdad, pero entiendo por qué la gente ocupa la etiqueta. Siempre la he odiado, eso sí. Decir “post” algo, que uno es “post” lo que sea, es algo muy pretencioso, es una declaración que no nos interesa hacer, en serio, no nos dejó felices nunca, para nada. Creo que nosotros somos sólo rock, sencillamente.

Leí que creciste en Dalserf, un pueblito escocés que por lo menos en las fotos parece ser un lugar muy tranquilo. ¿Cómo fue que descubriste la música ahí?

Mira, siempre me interesó lo que podrías llamar música alternativa, o por lo menos la que me parecía más interesante y no sonaba tanto en las radios. Yo partí muy joven comprando partituras de las bandas que me gustaban, en una tienda de música en mi ciudad natal, la música siempre ha sido una pasión en mi vida, siempre. No recuerdo exactamente cuál fue el primer disco que me compré, pero probablemente fue uno de The Cure. Disintegration tiene que haber sido de los primeros que tuve por lo menos, siempre he sido un fan.

Han pasado casi exactamente 10 años desde la primera vez que nos visitaron… y en ese tiempo han hecho varias giras, y de hecho han sobrevivido bastante más que varias bandas de su generación. ¿Qué consideras que ha cambiado desde entonces?

Hemos hecho mucha música, muchos discos desde entonces, por supuesto. Hemos sacado cinco discos entremedio, pero hablando del espectáculo, de lo que la gente va a ver en el escenario, tenemos unas proyecciones nuevas, luces también, que le dan un énfasis más visual a lo que hacemos. Nuestra puesta en escena ha cambiado mucho desde la última vez que estuvimos allá.

Me parece, además, que los discos que editaron después de Rock action, que estaba recién estrenado el 2002, han tenido cada vez más intervenciones y procesos más cercanos a la electrónica que a la dinámica de una banda en vivo… ¿cómo afecta eso a sus presentaciones? ¿Hay sonidos que no se pueden reproducir sobre el escenario?

Creo que tienes razón acerca de cómo ha cambiado nuestro sonido, pero mucho de eso tiene que ver con las maneras en que ha cambiado la grabación de música desde entonces, los procesos, las tecnologías. Por supuesto que nos interesa explorar nuevas posibilidades, pero creo que en vivo, al final, siempre todo se trata acerca de nosotros, siempre los cinco en el escenario y eso es lo que importa. Seguimos siendo muy fieles a como hemos sido siempre.

¿Cómo componen ustedes? ¿Ha cambiado ese proceso con los años?

No es que haya un gran secreto detrás, hay un montón de música que nos gusta tocar, todo comienza con un poco de caos, apuntes, notas sueltas, ideas anotadas a la rápida o que nacen en el estudio. Creo que como todo, las cosas cambian. Éramos muy jóvenes cuando empezamos, y los cambios en nuestro sonido vienen de nuestra madurez personal, del proceso de crecer. Se me ocurre que nuestra relación con la música no ha cambiado nada, seguimos disfrutando lo que hacemos tanto como el primer día.

Mogwai ha colaborado en varias bandas sonoras, y hay por lo menos una que se me viene a la mente, la de un documental sobre Zidane. En general ¿les deja satisfechos la experiencia de musicalizar películas?

Cambian las reglas, por supuesto. Por mucho que uno lo quiera, al final la música no es lo más importante de un documental, o de una película, ahí estás trabajando con el arte de alguien más, al servicio de lo que está pasando en la pantalla. De todas formas nos parece una experiencia atractiva y disfrutamos mucho cada vez que nos toca un trabajo así, la experiencia nos deja muy contentos siempre… o casi siempre. Por lo menos, nos obliga a ver nuestra propia música desde otro punto de vista.

Recuerdo una entrevista que les hicieron en la New Musical Express más o menos en la época en que vinieron a Chile, el 2001 o 2002… y ahí, ustedes acababan de sacar una polera oficial de Mogwai que en vez de decir algo sobre la banda decía sólo “Blur: una mierda” ¿Siguen siendo tan apasionados acerca de la música que detestan?

La verdad es que ese es el tipo de cosas que ocupan tu mente cuando eres muy joven, tienes que pensar que éramos casi unos niños en ese tiempo y de verdad nos creíamos los dueños del mundo. De hecho, en la portada de ese número de la NME salíamos montados en un tremendo cañón, creo que era una batería antiaérea, sólo por decir que estábamos en guerra contra todos. Hoy por hoy nos interesa más ser los difusores de buena música que perder el tiempo denunciando la mala.

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Gonjasufi en Chile
Sábado 12 de mayo
Centro de eventos San Diego

Fotos de Miguel Soffia

Caos. De un tipo acostumbrado a la provocación como Gonjasufi no se puede esperar otra cosa. Eso lo sabe hacer muy bien. Caos en su impronta en el escenario, en sus ademanes e interpretación y lo mismo en su relación con su “banda”, un par de beatmakers entre los que se encontraba Psychopop, uno de los artífices de MU.ZZ.LE, esa extraña joya por la que muchos fuimos a ver a Sumach, pese a que hace tiempo le seguimos la pista por su trabajo con The Gaslamp Killer o Flylo.

Riesgo. Al igual que en la recordada visita de Prefuse a Chile, cuando los que esperaban la pulcritud de sus beats más deliciosos se fueron decepcionados, el show de Gonjasufi no dio tregua, renunciando casi completamente a la melodía, los hits (si es que ese término aplica aquí) y cualquier cosa parecida a un espectáculo convencional.

El delirante tono de voz del de San Diego, sumado a los trucos hip-hop/electrónicos de su par de acompañantes parecía una extensa introducción, una prueba de sonido interminable para los más neófitos y una bofetada incluso para los fieles. Y aunque a ratos esperábamos ver más Murs que el último Tricky, menos Lee Perry y más Tom Waits, el tipo no escatimó en ruido y diatribas contra el sonidista.

Indiferencia. Aun así hubo scratch, beats en vivo y freestyle, la trilogía del rap en directo. Sin embargo, también es cierto que no reinó la coherencia, pero no le íbamos a pedir eso a un hombre que suele disparar contra los flagelos del mundo de manera autodestructiva. Es mejor pensar que eso fue arriesgado y provocador, imposible de asimiliar a la primera escucha.

Por eso nos entusiasmamos cuando sonó brevemente “Kowboyz and indians” y lo odiamos cuando cortó abruptamente “Sheep” o “Ancestors” (imperdonable). Sin embargo, también lo ovacionamos cuando en un acto de hastío concluyó con “The blame”, donde su frase “I’m not the perfect man/And i never claim to be” cobró un sentido superior, aunque a Sumach, siempre en modo Desierto de Mojave muy poco le haya importado.

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Santiago se llena de música este jueves y uno de los eventos más esperados por el público local es el show de Chromeo, que se presenta en el Centro Cultural Chimkowe, en el marco del tercer aniversario de nuestros amigos de Fauna.

El dúo canadiense formado por David Macklovitch y Patrick Gemayel compartirá escenario con los californianos Capital Cities y el dúo extra bailable Tiger & Woods, además de los nacionales Mecánico.

Las entradas tienen un valor de $22.000 en preventa y $25.000 en puerta. Revisa más abajo los horarios. Info de buses de acercamiento en este link.

22:00 Apertura
23:00 Mecánico
00:00 Capital Cities
01:00 Chromeo
02:15 Tiger and Woods
03:45 Cierre
+Info

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Nuestro corresponsal Jorge Acevedo llevará la bandera de Super 45  a la versión 2012 del Festival Primavera Sound, y en esta primera entrega nos adelanta detalles del prestigioso evento, que se realizará entre el 30 de mayo y el 3 de junio en España.

El festival Primavera Sound tiene una característica que comparten los jardines de Borges, la nostalgia por Bielsa y la ambición de los banqueros: es absolutamente inabarcable. Aunque te organices y cronometres cada paso de ese (bendito) fin de semana en el Parc del Fòrum, siempre la lista de los “debe” superará a la de los “aprobado”. Si no, que lo diga esa raza de melómano-ejecutivos que van, lista Excel en mano, paseándose por el amplio recinto.

Esos son los mismos que se quieren merendar su hoja de papel cuando deben decidir entre esa famosa banda sospechosamente amigada tras 15 años dirigiéndose insultos, o la nueva sensación que ver justamente ahora (antes de su correspondiente temporada de peleas internas y malas palabras). O comer y beber, que tampoco es mala idea, un par de veces al día. O disfrutar de la vista al Mediterráneo. O simplemente pensar en cómo diablos se organizarán más de 200 artistas y 8 escenarios al mismo tiempo. Y el espectador, ya dijimos, como banquero en crisis.

El Festival Primavera Sound celebra su versión número 12, cumpliendo ya 8 años en el gigantesco Parc del Fòrum (Barcelona). Como la primera gran cita de la temporada de festivales en España (aunque, hay que decir, nada de mal lo han hecho en Murcia con el SOS 4.8, hace unas semanas), el evento catalán es el inicio de una lista que completan imperdibles como el Sónar Barcelonés, el BBK Live bilbaíno o el FIB valenciano.

Pero si en el primero de ellos hay un público más de “nicho”, en el segundo un line-up interesante, pero más reducido y en el tercero la invasión de muchos turistas hiperventilados (y al bueno de David Guetta para deshonra del cartel); lo del Primavera Sound apunta a una celebración de la música con la mayor extensión posible. Le puedes llamar “indie”, pero para qué perder el tiempo con esas discusiones, sobre todo cuando las cifras de 2011 hablaban de 123.000 asistentes.

Por ello a la ya mencionada cantidad (obscena) de artistas en sus 3 días principales, se suman 2 gratuitas en la explanada del Arc de Triomf en Barcelona. Algo de eso reporteará Super 45, con la seria intención de dar una visión parcializada, incompleta y, como siempre, tendenciosa. Por el mismo motivo, organizamos un poco el caos perceptivo ante la avalancha musical y les contamos qué es interesante de ver, bailar o decir con ceño fruncido y expresión seria, que fue “realmente interesante”.

De estrellas, reuniones y señores

Aunque en el democrático diseño del afiche, no queda del todo claro quiénes son los cabezas de cartel, no hay que ser especialmente sagaz para saber que ello recae en los incombustibles The Cure. Treinta y tres años de carrera, un peinado inamovible y más éxitos de los que caben en su último disco doble en vivo Bestival (2011), ponen a los de Robert Smith en primer plano. Junto con Wilco, que presenta un nuevo acierto (otro más) llamado The whole love; los largamente esperados Death Cab for Cutie y toda la polémica virtual que trajo la segunda venida de unos “excesivamente comerciales” Franz Ferdinand. Como a los escoceses post-Festival de Viña les debe de dar igual casi todo, bienvenidos.

Otros nombres con pedigrí suficiente para mover fanáticos son los de Spiritualized, del recuperado Jason Pierce, que presentan Sweet heart, sweet light; Death in Vegas que reaparecen luego de un lustro fuera de las pistas, las maneras crooner de Richard Hawley y un par de nombres del colectivo Elephant 6 que coinciden, como son Olivia Tremor Control y Jeff Mangum (Neutral Milk Hotel). También se podrá ver a dos tipos, imaginamos, felices con la derrota de Sarkozy como Dominique A y Yann Tiersen; no olvidando, por cierto, a uno que tiene las maneras, canciones y actitud de un clásico (sólo falta la venta de discos, pero qué diablos): el señor Rufus Wainwright.

Un escenario tan grato también sirve para bajar las tensiones y estrechar esos lazos de amistad que los juzgados y reuniones de abogados no pudieron quebrar. Así, tenemos algunos encuentros de gente, al parecer, no tan enojada entre sí como el caso de la maravillosa Hope Sandoval que se junta nuevamente con David Roback para recordarnos lo buenos que eran Mazzy Star. O Greg Dulli que reactiva Afghan Whigs, Warren Ellis que deja un rato libre a Nick Cave para volver con Dirty Three y un par de nombres espesos: Refused y Codeine.

Aunque ninguno de los arriba nombrados es, lo que se diría, un jovenzuelo imberbe, hay algunos (aun más) de la vieja guardia que subirán los bonos del Festival. Es el caso del estreno como solista, en formato canción, del ex (?) Sonic Youth Lee Ranaldo; esa dama algo tenebrosa llamada Marianne Faithfull, la enésima encarnación de The Wedding Present tocando Seamonsters, uno de ceño fruncido como Michael Gira, los inmortales

Melvins y el activista con más ritmo de la órbita indie: Mark Stewart al frente de The Pop Group. Un favorito personal: el team de lujo (gente de REM, Posies, Teenage Fanclub, entre otros) autodenominado Big Star’s Third, a mayor gloria del cancionero de Alex Chilton.

En la segunda parte hablaremos de “nuevos consagrados” como Beach House y The XX, además de los artistas locales y nuestros representantes chilenos.

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MP3: Super 45 Podcast # 670 (13 mayo, 2012)

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Desde su aparición en los escenarios nacionales, Protistas cosecharon múltiples elogios, tanto por la novedad de su propuesta, como por la fuerza de sus presentaciones en vivo. Su primer largo, el también celebrado Nortinas war (Cazador, 2010), sirvió de puntal para una serie de proyectos que refrescaron la alicaída escena local del “indie-rock”, más dedicada a explorar los aspectos más sonsos y burdos de la psicodelia sesentera.

En contraste a ellos, Protistas construyeron en Nortinas war un imaginario sonoro a partir de referentes tales como Animal Collective, Pavement y algunos relacionados con el folclor chileno. Era un trabajo inquieto e intuitivo, en el que destacaba la espontaneidad con que la banda desarrollaba sus canciones. Lo paradojal era que, en esa espontaneidad, Nortinas war perdía consistencia: Protistas, al buscar un sonido que reafirmara su identidad musical, terminaban por diluirse en un mejunje de “citas” musicales sin un norte claro.

Las cruces (Cazador, 2012) es un trabajo más reposado que su debut y, extrañamente, más intenso: incluso la voz de Solar, siempre excesiva en el uso del falsete, se percibe contenida, dejando espacio para que afloren complejas armonías, coros brillantes y tintineantes guitarras. En los momentos más calmos del disco (la inicial “Rosetta” o “Napas subterráneas”), estos detalles sobresalen, creando una atmósfera emotiva y cálida. Y aunque contrastan con los momentos más ágiles del disco (el single “Granada” o “Huesos de cristal”, por ejemplo), éste no pierde cohesión.

Por el contrario, gracias a esta dicotomía que, en cierta manera, tensiona el disco en toda su longitud, Las cruces funciona como un todo y no sólo como una colección de canciones “influidas por”. Que el disco cierre con el desarrollo épico y expansivo de “Una vuelta al mundo” (y sus múltiples alusiones a la libertad espiritual), es la prueba fehaciente de esta tensión sonora, resuelta acá con una fuerza inusitada.

El brillo que tiene es lo humano que le queda (2004), el primer y único trabajo de los disueltos Taller Dejao, brillaba en toda su duración y golpeaba fuerte, con energía. Guardando las distancias, Las cruces es, en sonido, el pariente más cercano que tiene este disco en el panorama chileno actual. Obviando la vulgaridad lírica que Solar y compañía insisten en desarrollar ( y que tiene su peak más alto en la insípida “Supertroll”), este parece ser el principal mérito de Las cruces. De ahí que no pocos lo catapulten como uno de los más interesantes trabajos editados este año.

Haz click acá para ver el video

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La cantautora Leslie Feist debutó en 1999 con el disco Monarch (Lay your jewelled head down), una pieza prácticamente descontinuada en su catálogo, que pronto tendrá una flamante reedición en formato vinilo.

El debut de la canadiense, que incluye canciones como “Cool to love your family” o “New torch”, fue lanzado de manera independiente por el sello Bobby Dazzler y ya puede encargarse desde la web de la artista.

Más abajo la joven Feist en el video de “Cool to love your family”.

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Domingo 20.05.2012
Radio Duna 89.7
23:00 hrs.

En esta edición presentaremos los nuevos trabajos de Richard Hawley (Standing at the sky’s edge), El-P (Cancer for cure), Simian Mobile Disco (Unpatterns), Peter Broderick (www.itstartshear.com), THEESatisfaction (AwE NaturalE) y Little Chords (Afterlife).

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Lentamente el colectivo animal va dejando pistas del sucesor de Merriweather post pavilion, publicado en 2009. Ahora sabemos que lo nuevo de Panda Bear y compañía se titula Centipede Hz y será lanzado oficialmente en septiembre.

El magazine Magic RPM publicó el tracklist del disco, que puedes ver más abajo, junto a un video promocional del nuevo álbum, que será editado por la etiqueta Domino Records. Revisa también las recientemente estrenadas canciones “Ghotam” y Honeycomb”, siguiendo este link.

Centipede Hz

01. Moonjock
02. Today’s Supernatural
03. Rosie Oh
04. Applesauce
05. Wide Eyed
06. Father Time
07. New Town Burnout
08. Monkey Riches
09. Mercury Man
10. Pulleys
11. Amanita

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La estrella pop local Javiera Mena se alista para realizar una nueva gira en España, donde su música goza de amplia aceptación y popularidad.

La cantautora chilena el 24 de mayo comienza un tour que se extenderá hasta el 15 de junio, compartiendo escenario con luminarias del pop español como Hidrogenesse, Los Punsetes, Pegasvs, Triángulo de Amor Bizarro y Diadermin.

En total 5 fechas que servirán de antesala para la grabación del tercer álbum de la chilena, previsto para el próximo año. Además, Javiera publicará un CD promocional con 5 canciones no editadas en España, que se repartirán en cada una de las fechas detalladas a continuación.

24 mayo. Javiera Mena + Pegasvs en Sala Wah Wah. Valencia
26 mayo. Javiera Mena + Triángulo de Amor Bizarro + Diadermin en Sala Playa Club, A Coruña
7 junio. Javiera Mena + Hidrogenesse en Sala Apolo, Barcelona
9 junio. Javiera Mena + Los Punsetes en Sala Fever, Bilbao
15 junio. Javiera Mena + Hidrogenesse en Sala Ocho y Medio, Madrid

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Ya extrañábamos pubicar Inbox, una instancia donde mostramos a músicos de todas partes del mundo, que gentilmente nos han hecho llegar sus proyectos a nuestra bandeja de correo.

Sus trabajos son bienvenidos en inbox@super45.cl

La Mala Vida

Hace unas semana el trío argentino La Mala Vida lanzó su primera referencia Simple#uno, que incluye los temas “El fin de año” y “La rambla”, que describen como “la síntesis de las imágenes y emociones que vivimos todos los días”. Conócelos más abajo.

Yusuf Azag

Desde Glasgow, Yusuf Azag nos presenta Prizefigter EP, un trabajo autoproducido del año pasado donde busca lucir sus declaradas influencias de Eliott Smith, Beach Boys y Nick Drake. Este es un adelanto de su próximo álbum.

Atrás Hay Truenos

También desde Argentina los “kraut-rockers sureños” Atrás Hay Truenos a través del sello Mamushka Records nos presentan Romanza, álbum lanzado este año y disponible para libre descarga desde la página del sello, que dicho sea de paso tiene varias otras gemas ocultas por descubrir. Más abajo “Luz mala”, extraída de Romanza.

Pólvora Negra

Pólvora Negra es un sello nacional dedicado al hip-hop, que acaba de publicar Todo en kaja, un extenso volumen (21 tracks) que compila las más diversas muestras de rap under local. Escucha y descarga aquí.

Microbird

El viñamarino Microbird sigue con su saga de drone, lo-fi y ruidismo inspirado en la ciencia ficción con Ooparts II, un nuevo trabajo lanzado en abril de este año, confirmando que su sonido puede transformarse en una pequeña obra de arte.

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Daniel Lopatin, el mismo de Ford & Lopatin y responsable de Replica, ese acto de drone y pop publicado el año pasado que nos dejó gratamente sorprendidos, presenta un nuevo y provocador track.

En “I only have eyes for you” Lopatin edita el clásico de Harry Warren y Al Dubin, con motivo de la instalación audiovisual Song 1, que realizará el artista Doug Aitken en Washington.

Aquí los sintetizadores y atmósferas cubren todo el espectro y sólo basta sentarse a escuchar los 7 misteriosos minutos. Revisa “I only have eyes for you” más abajo.

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Sufi compartirá escenario con los nacionales Cómo Asesinar a Felipes, DJ Raff, Daniel Klauser y Vaskular y para que no te pierdas ningún detalle del show, te mostramos el line-up oficial. La apertura de puertas será a las 23:00 horas y según la producción, el evento será puntual.

23:00-23-30:  Apertura/DJ Vaskular
23:30-00:30:  Cómo Asesinar a Felipes
00:30-01:30:  DJ Raff
01:30-03:00:  Gonjasufi
03:00-04:00:  Daniel Klauser
04:00-05:00:  DJ Vaskular

+Info del evento aquí

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Cumplimos 10 ediciones de nuestra serie de mixtapes, que partieron a modo de celebración por los 15 años de nuestra casa, y ahora sirven para mostrar parte de los gustos musicales de artistas y amigos de Super 45.

En esta oportunidad, la cantautora argentina Violeta Castillo nos regala 30 eclécticos minutos para llevar en el reproductor.  Escucha y descarga más abajo.

Tracklist

1. Little Dragon – A new
2. Isla de los Estados – Gozo
3. N.E.R.D. – Hypnotize U
4. quieroStar y Mamacita – Destrucción total
5. Babasónicos – Muñeco de Haití (a capella, fragmento)
6. John Maus – Streetlight
7. Félix y Los Clavos – Babel
8. Ariel Pink’s Haunted Graffiti – Fright night
9. Fakuta – Aeropuerto (Fco Pinto Remix)
10. Chromeo – Nice ‘n’ clean (en Yo Gabba Gabba!)

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Tessie Stranger y sus chicos hace unos días mostraron “Sleeping in motion”, el primer sencillo de su próximo álbum titulado White streets dark fields, pronto a editarse en el sello Fringecore.

El tercer disco de la banda fue grabado por Pablo Giadach en el estudio B de Algo Records y masterizado en Estados Unidos por John Golden (Of Montreal, Spoon). Esta vez el grupo lanza el video de “Sleeping in motion”, dirigido por Guillermo Gómez Puentes.

Mira el video a continuación y descarga el tema en exclusiva desde nuestro soundcloud.

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Passion Pit preparan el lanzamiento de su nuevo disco, agendado para el 24 de julio en Columbia. El esperado Gossamer secederá a Manners, su comentado álbum lanzado por Frenchkiss Records en 2009.

Los creadores de “The reeling” hace un par de días estrenaron “Take a walk”, adelanto de su nuevo álbum, con el que Michael Angelakos y compañía pretenden volver al ruedo en los próximos meses, con nutrida gira de promoción incluida.

Escucha “Take a walk” a continuación.

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Este viernes 11 de mayo en el Salón de Eventos San Diego se presenta el DJ y productor londinense Silkie (Deep Medi Music), uno de los secretos mejor guardados del dubstep y el bass music de buena factura.

Lo acompañará lo más destacado de la escena local en la materia, es decir Fat Pablo, Operador, No Señor!, Bongmaster, entre otros.

Cortesía de la producción, regalamos 2 entradas simples entre los que nos dejen su nombre y apellido en los comentarios.

Ganadores (Lista hasta las 00:00 horas)

Pablo Donoso
Denisse Arias Núñez

Silkie en Chile
Viernes 11 de mayo – 23:00 horas
Salón de eventos San Diego (San Diego 1455)
$3.000 hasta las 01.00 – $4.000 después
+Info

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Nuestra colaboradora Andrea Faúndez se alista para viajar a Brasil a cubrir para nosotros el festival Sónar São Paulo, que se realizará este fin de semana en el Parque Anhembi. Este es su último reporte antes de contarnos in situ los detalles del evento. Estén atentos a nuestra cobertura del festival, tanto en el sitio como en nuestras redes sociales.

Queda muy poco para Sónar São Paulo, festival que reunirá a un crisol de artistas, géneros y estilos en el Parque Anhembi, concentrando a lo más destacado de la música avanzada y new media art.

Serán dos días en que nos dividiremos entre Cut Chemist, DOOM y Kraftwerk, además de Mogwai, Flying Lotus, Justice, James Blake y Four Tet, entre otros.

Por eso, en medio de tanta emoción y ansiedad, decidimos armar una breve selección con algunos, de los tantos, artistas que esperamos ver y luego contarles la experiencia.

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The Walkmen están próximos a editar su nuevo trabajo discográfico titulado Heaven, oficialmente a la venta desde el 29 de mayo a través del sello Fat Possum.

La banda ya había mostrado como adelanto los temas “Heartbreak” y “Heaven”, causando buenas expectativas para su séptimo álbum. Ahora presentan “We can’t be beat”, último apronte antes de la llegada de Heaven.

Escucha a continuación “Heaven” y “We can’t be beat”.

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El siguiente es el segundo vídeo del excelente disco Love at the bottom of the sea – del cual puedes leer un doble comentario en el siguiente enlace -  del proyecto más icónico de Stephin Merritt, The Magnetic Fields.

La canción elegida es “Quick!” que, al igual que su vídeo anterior, “Andrew in drag”, presenta una rara historia de amor.

Haz click acá para ver el video

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Este viernes 11 de mayo en Bar Loreto se llevará a cabo una nueva edición de Pinball Deluxe, con la banda Versus (Guerritas-Manu-Rammsy) como protogonista.

En los controles, DJ Garbo y Julián García-Reyes se encargarán de armar la fiesta post show. Cortesía de la producción, tenemos dos entradas dobles para regalar entre los que nos dejen su nombre y apellido en los comentarios.

Ganadores (Lista)

Christian Fuster
Nicole Farías

Pinball Deluxe en Bar Loreto presenta
Viernes 11 de mayo – 23:00 horas
Bar Loreto (Loreto 435)
En vivo Versus
+DJ Garbo
Julián García-Reyes
$3.000
www.pinballrecordings.cl
+Info

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David Gedge (Leeds, 1960), es el responsable de algunos de los pasajes románticos más memorables que se hayan escrito en la historia del rock. También es cierto que, cada uno de sus discos son extensiones de un narcicismo crónico arraigado en su rol de casanova despechado.

Pero la verdad es que poco importa cuántas veces más lo haga, si con ello continúa arrastrando esa tormenta eléctrica y emocional que, después de casi treinta años, sigue arrasando con todo lo que encuentra a su paso.

Este señor es un romántico de la manera en que Greg Dulli, Nick Cave, Edwyn Collins o J (Los Planetas) lo son. Un tipo que no sabe más que escribir de amor, pero que entre líneas, crea un mundo propio, torcido, celoso e infame, lleno de detalles salvajes y de acotaciones al margen. Un universo, muchas veces egoísta, adictivo y autodestructivo, donde se confunden víctimas con victimarios y donde casi siempre él es la víctima y nosotros sus fieles amigos dispuestos a escuchar su nueva derrota.

Gedge, vuelve a hacer de The Wedding Present su vehículo de expresión y, para esto no hay mejor excusa que las canciones de Valentina. Un disco orgulloso y valiente, que sigue abrazando el desamor como su mayor fuente de inspiración. Como el motor que mueve al mundo o, al menos, como el único combustible posible.

Absolutamente atemporales, las canciones en este álbum, podrían estar sacadas de cualquier disco de la banda y no desmerecerían en ninguno de ellos. Es más, Gedge, ha reclutado un equipo joven y la tensión, el ruido y la rabia suenan más vigentes que nunca sin perder ni un ápice de personalidad. De esta forma “Deercought in the headligths” o “You Jane” (primer sencillo de esta entrega) suenan familiares y sorprendentes a la vez, devolviéndonos al huracán de Seamonster, Watusi o Takefountain, sin resentir, en lo absoluto, el paso del tiempo.

Valentina, es otro disco impecable en la carrera de la banda. Pasional en la interpretación y preciso en la ejecución, este trabajo suena joven para la edad que tiene y descreído para lo que plantea. Así, “You’re dead”, “Stop, thief!”, “End credits” y el grueso del álbum obedecen a un canon que ya es escuela. Un cruce imposible entre Big Star, Orange Juice y The Fall en un pozo de miserias sin fondo, que adopta siempre, la forma de un corazón roto y en cenizas, pero siempre en combustión.

Disponible en Tienda Sonar en formato CD a $12.900 y vinilo a $17.900. Tienda Sonar está ubicada en Paseo Las Palmas, local 017, Providencia.

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La islandesa Björk sigue en su labor de otorgar atractivo extra a Biophilia, su más reciente álbum editado el año pasado.

Esta vez la cantante deja en manos de nuestro conocido Pablo Díaz-Reixa, alias El Guincho, las pistas de “Cosmogony”, con las que el español construye un nuevo track muy propio de su fábrica. El remix forma parte de la tercera entrega de la serie de remixes de Biophilia, cuyo lanzamiento oficial es el 14 de mayo y que incluye también una versión de Hudson Mohawke para el tema “Virus”.

Más abajo el preview del remix, que puedes escuchar completo siguiendo este enlace.

björk – cosmogony (el guincho) preview by human zone

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MP3: Super 45 Podcast # 669 (06 mayo, 2012)

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Domingo 13.05.2012
Radio Duna 89.7
23:00 hrs.

En esta edición presentaremos los nuevos trabajos de Beach House (Bloom), Best Coast (The only place), Gravenhurst (The ghost in daylight), Miniature Tigers (Mia Pharoah), Allo Darlin (Europe) y Gareth Dickson (Quite a way away).

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Victoria Legrand y Alex Scally están a punto de lanzar oficialmente Bloom, su esperado nuevo álbum. El disco será presentado el 15 de mayo a través del sello Sub Pop, pero ya puede escucharse completo vía NPR.

Luego de mostrar adelantos como “Myth” y “Lazuli”, Beach House presenta las diez nuevas canciones de su cuarto trabajo discográfico, que viene a confirmar las buenas noticias que teníamos del dúo, que con la ayuda de Chirs Coady en la producción se mantiene fiel a su estilo y apegado a las formas más elegantes del pop actual.

Escucha completo Bloom siguiendo este enlace. Más abajo “Myth”.

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El músico se presentará en el Centro de Eventos San Diego (San Diego 1455), acompañado por los nacionales Cómo Asesinar a Felipes, DJ Raff, Vaskular y Daniel Klauser.

Cortesía de la produccción, tenemos 3 entradas simples para regalar entre los entusiastas que nos dejen su nombre y apellido en los comentarios.

Ganadores (Lista hasta las 00:30)

Daniela Müller
Matías Abarca
Beatriz Valdés

Gonjasufi en Chile
Sábado 12 de mayo – 23:00
Centro de Eventos San Diego (San Diego 1455)
+Cómo Asesinar a Felipes
DJ Raff
DJ Vaskular
Daniel Klauser
+Visuales de DJ Fracaso y DMNC
$6.000
+Info

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El colectivo animal formado por Geologist, Avey Tare, Panda Bear y Deakin hace poco nos provocaron los sentidos con Transverse temporary gyrus, otra de sus excentricidades con alta carga audiovisual.

Esta vez el grupo vuelve a la carga y comparte dos nuevos temas que serán igualmente editados en vinilo de 7 pulgadas, a través del sello Domino.

Las flamantes “Ghotam” y Honeycomb” pueden escucharse desde el sitio de Animal Collective y serán lanzadas en formato físico el 26 de junio. Revísalas a continuación.

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Justice + Modeselektor en vivo
Jueves 3 de mayo
Teatro Caupolicán

Fotos por Álvaro Guerra

En la intersección de 10 de Julio con San Diego, un trío de jóvenes con chaqueta de cuero, pelo engominado y cara de asustados, se acercan a un repartidor de pizza y le preguntan si sabe dónde está el Estadio Caupolicán. Le comentan que andan medio perdidos, que nunca habían venido para este lado de Santiago y que van a Justice.

El repartidor de pizza se ríe, les dice que están cerca, que sigan caminando por San Diego y que, lo más probable, es que haya un lote grande afuera del Teatro. El trío de jóvenes agradece al repartidor y sigue caminando en dirección al Teatro Caupolicán, cambiando su actitud temerosa por una más excitada, lo que los lleva a “cantar” unos temas de Justice en mitad de la calle.

No mentía el repartidor: contrario a lo que sugería una tardía promoción del evento y un aparente desinterés de la “masa hipster” (sic), el Caupolicán se repletó. Tampoco era falsa la excitación con la que el trío se alejó de este: al interior del teatro, muchos preguntaban sobre los horarios, las chaquetas y poleras alusivas al dúo francés eran una constante y mucha gente “cantaba” temas de ellos. Por lo mismo, lo que el trío chileno Matanza estuvo haciendo sobre el escenario (en formato DJ set) pasó casi desapercibido. El corte de su actuación fue repentino y ni aplausos hubo para ellos.

Fotografías por Álvaro Guerra

Todo lo contrario ocurrió con Modeselektor. Aunque el público hubiese querido ignorarlos, no lo habría logrado. Cada tema que el dúo alemán presentó anoche, hizo retumbar el Teatro Caupolicán con esos bajos gruesos, atronadores, que hacían vibrar cada centímetro del cuerpo.

A su imponente sonido, hay que sumar lo carismáticos y comprometidos que se mostraron con el público, lanzando champaña, jugando con los efectos de las voces, haciendo pantomimas sobre sus temas, en resumen, armando una verdadera fiesta. Lo de Modeselektor, que quede claro de una vez, no fue dubstep ni techno, pero a medio camino entre uno y otro estilo, el ecléctico set con que se presentaron en nuestro país, quedará instalado en nuestras cabezas y oídos por un buen tiempo.

Lo de Justice, sin embargo, requiere más análisis. Al parecer, el público se dividía entre quienes esperaban mucho de ellos (la fanaticada dura) y los que no esperaban nada del dúo (un servidor y varios más). Los primeros, por lo que comentaban al término del show, salieron algo decepcionados: no sonaron tan fuertes como se esperó (el rumor decía que los vecinos alegaron por el fuerte volumen de Modeselektor), las reversiones de los temas en vivo hacían que su repertorio perdiera fuerza (pasaron colados los megahits “D.A.N.C.E.”, “DVNO” y “We are your friends”) y el dúo se mostró muy lejano (por no decir drogado).

Los segundos, quedaron algo más que impactados con la puesta en escena de los franceses (¡tremendo juego de luces!), la tensión que lograron crear en algunos momentos (el dramático inicio con “Genesis”, la cruz abriéndose en dos para dejar a la vista un sintetizador) y las apabullantes versiones de “Audio, video, disco” y “Stress” (el momento más intimidante de toda su presentación, con luces rojas por todos lados).

Con todo esto como antecedente, ¿es Justice una banda que vale la pena? En vivo, pareciera que sí, ya que sus méritos visuales son bastante mejores que los musicales. Pero quienes esperaban encontrarse con la reencarnación más certera de Daft Punk o algo del empuje que The Chemical Brothers presentan en vivo, mejor olvídenlo: Justice tuvo los cinco minutos de fama correspondientes con su primer disco y ahora sobreviven a duras penas. Es hora de bajarlos del podio en el que se encontraban y decir, sin miedo, que en 5 años más, nadie se acordará de ellos. Ni siquiera el trío de jóvenes ABC1 mencionados al principio de esta crónica, quienes tuvieron que bajar del barrio alto para ir a verlos. A estos, al menos, les quedará la satisfacción de que conocieron la calle San Diego y caminaron ¡de noche! por 10 de Julio.

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Aún conmovidos por la partida de Adam Yauch aka MCA, hemos preparado un 5fav express a Beastie Boys. Aquí los dejamos con nuestro pequeño homenaje.

Arte por Ignacio Mardones

Girls

En sus comienzos Beastie Boys enojó a mucha gente por ser blancos, tener plata y rapear. Y cuando se fueron de gira por Licensed to ill hicieron que tanto progres como conservadores sufrieran ataques de indignación convulsivos cuando pusieron bailarinas casi en pelotas encerradas en jaulas arriba del escenario.  Punks reconvertidos, lo de Beastie Boys era la provocación in your face  que con el tiempo mutó en causas planetarias como la liberación del Tibet y más locales como volverse el soporte espiritual de Nueva York.

Para la mayoría de las bandas, la bravata per se termina transformándose en una pose que se desgasta poco digna con el tiempo. No para Beastie Boys. “Girls”, con su teclado de juguete hipnótico  y sus juegos de voces a lo Borbotones, es una declaración adolescente de calentura con un bravado machista que no puede resultar otra cosa que un chiste muy bueno. Donde el rap siempre fue tan seriote y sexista, Beastie Boys declara: “Chicas, para lavar los platos/ Chicas, para lavar la ropa/ Chicas, en el baño/ Chicas, es lo que realmente quiero/ Dos al mismo tiempo/ quiero chicas con peinados new wave.” Con su estructura liviana DIY,  la influencia de “Girls” aparecerá después tanto en Matt and Kim como Japanther y toda una nueva camada salida esta vez de Williamsburg, que empezaron a mezclar punk con juguetes. (Carmen Duarte)

No sleep till Brooklyn

En medio de la vorágine creada por un debut tan criticado e incomprendido como Licensed to ill (Def Jam, 86), este fue uno de los muchos tapabocas enviados por MCA, Adrock y Mike D a quienes los consideraban sólo un trío de chicos judíos de clase alta subiéndose al carro de la victoria del rap. Por un lado, la diversión -nunca ausente- al parodiar por igual los clichés del glam metal y los tics del adolescente gringo con ganas de parrandear.

Agreguen a eso la querencia por su pasado más rockero, una apertura de mente que les permitía tener al mismísimo Kerry King de Slayer haciendo chillar su guitarra y un video de antología que les granjeó el respeto de ilustres como Run-DMC y la ecuación es perfecta: se puede ser gracioso sin perder la integridad. Los Beastie Boys hicieron que ser preadolescente en los ’80 fuera divertido. Gracias por eso, MCA. Te vamos a extrañar. (Pablo Meneses)

Shadrach

Si los Beastie Boys fueron los primeros raperos blancos en sacarse de encima el estigma que que querían ser negros y de que estaban copiándole rimas y fraseos a Run DMC fue gracias a que, cuando se cansaron de ser unos cabros chicos guarros, abrazaron de lleno y sin vergüenza el hecho de que, sencillamente, eran unos chiquillos de escuela judía jugando a transformar su propio ghetto con las herramientas que habían funcionado para hacer bailar al ghetto de los vecinos.

“Shadrach” es una referencia a la historia de tres hermanos, Shadrach, Meshach y Abednego, que se salvaron de ser quemados en un horno gracias a su fe en Dios. O eso dice la Biblia en el libro de Daniel, aunque es harto mejor quedarnos con el paralelo que establecen los Beastie Boys entre el trío de creyentes y ellos mismos, que sólo declaran creer en su propio talento para rimar como nadie. (Pato Urzúa)

Haz click acá para ver el video

Get it together (feat. Q-Tip) 

Este fue el segundo single de Ill communication, disco al que le tengo particular devoción ya que es en esta etapa donde Adam Yauch, budista practicante, abre todos los frentes de lucha en pos de la liberación del Tibet.

Fundador de Milarepa, y parte fundamental en la organización de Tibetan Freedom Concert, uno de los conciertos benéficos más importantes en el mundo, Adam Yauch fue ante todo un activista y defensor de todos los derechos: incluyendo tus fiestas. (Andrea Faúndez)

Sure shot

“Sure shot” es más que una rap song de radio fórmula, sus curiosas ¿flautas? y ritmos son sólo el proemio de un disco con afán maximalista que aún es recordado de manera transversal. La gracia y fortaleza de Ill comunication (1994), cuarto álbum de los Beastie Boys, radica en haber visto la luz en el para muchos año dorado del hip-hop, o la nueva ola del hip-hop.

De ese mismo año son Illmatic (Nas), The sun rises in the east (Jeru), Hard to earn (Gangstarr) o Ready to die (Notorious BIG), todos hoy clásicos incontestables y que por supuesto no tuvieron jamás la repercusión de Ill comunication, que podía guardarse fácil en la misma estantería de los discos de rock o punk. Sin embargo, su sentido rupturista e innovador les valió su merecido lugar en la historia. Muchos de los raperos supervivientes antes mencionados han llorado la pérdida de Adam Yauch como uno más de la familia, y es que después de todo el rap es cosa de actidud y respeto. RIP MCA. (Freddy Olguín)

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MP3: Super 45 Podcast # 668 (29 abril, 2012)

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Milton Mahan, conocido por su trabajo en el dúo Dënver y el team de producción De Janeiros, presenta “Mediterráneo”, primer adelanto de su próximo álbum en el sello de la llamita Michita Rex.

La nueva aventura solista de Mahan sigue la saga pop de sus proyectos anteriores, esta vez con una mirada más íntima y sintética, que pronto se materializará en formato largo. Escucha y descarga “Mediterráneo” al final de este post.

Recuerda que aún puedes participar por invitaciones para el show de lanzamiento de “Mediterráneo” este sábado en la sala SCD de Bellavista en nuestra sección concursos.

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El-P vuelve con Cancer for cure vía Fat Possum

James Meline aka El-P regresa a lo grande esta vez en Fat Possum, tras el lamentable receso de Definitive Jux, su casa discográfica que por años albergó a lo mejor del indie rap.

El Producto vuelve el 22 de mayo con Cancer for cure, que gracias a las benditas filtraciones ya sabemos que presenta a Meline en gloria y majestad, como en los mejores tiempos. Más abajo “Tougher colder killer”, junto a Killer Mike y “The full retard”, primeros adelantos del álbum.

Ryat – Totem

Tokimonsta ya no estará sola porque la cantante y productora Ryat se ha unido definitivamente al colectivo Brainfeeder, donde el 4 de junio editará Totem, una colección de canciones donde su voz, la experimentación y los beats se dan la mano. “Howl” es un adelanto del disco.

Lone – Galaxy garden

El 30 de abril se puso a la venta el nuevo trabajo del productor británico Lone editado por R&S. Galaxy garden es un intrincado viaje por texturas futuristas, aunque con un gusto por lo retro que lo vuelve atractivo y cercano. El álbum se puede escuchar completo vía Hype Machine más abajo.

Full Crate X2

Desde Amsterdam, el producer Full Crate se ha dedicado a facturar ritmos con marcado acento soul electrónico. Conocidos son sus trabajos junto a Mar, con quien nuevamente se une en este remix que hizo para el último single de Anthony Valadez en Plug Research: “Under water”. Además, los dejamos con un tema acompañado por el variopinto soulman Jesse Boykins III, con quien firma “See with me”.

Aesop Rock – “Zero dark dirty” (video)

Ya les habíamos contado que tras una larga siesta discográfica el rapero de la voz marciana Aesop Rock vuelve con Skeleton, su nuevo álbum en la casa Rhymesayers. Como nuevo apronte, ahora presenta el video para el single “Zero dark dirty”.

Silkie en Chile

El dubstep de buena familia ha tenido épocas de esplendor y el británico Silkie nos puede contar bastante al respecto. El londinense se presentará en nuestro país el viernes 11 de mayo (más info aquí), una buena oportunidad para adentrarse en lo más profundo de la ciencia del bajo. A continuación uno de sus mixes.

Orcas – “Arrow drawn” (video)

El dúo Orcas, formado por Benoît Pioulard y Rafael Anton Irisarri, estrenan el video para “Arrow draw”, tema incluido en su álbum publicado este año por Morr Music. Pop etéreo, texturas ambientales y toques electrónicos se conjugan en Orcas, una de las más quietas sorpresas de la temporada.

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Kevin Shields y compañía se han rodeado de misterio en los últimos meses en cuanto a su regreso discográfico. Lo cierto es que las anunciadas reediciones de su material clásico son una realidad, desde que el periódico británico The Guardian puso en streaming Loveless (1991), quizás el mejor y más recordado álbum de My Bloody Valentine.

Loveless fue remasterizado a partir de sus registros análogos originales y  ya puede escucharse completo desde este enlace. Pero no es la única novedad relacionada con el grupo. Hace poco se reveló un track inédito de la banda titulado “Good for you”, perteneciente a la compilación 1988-1991, disponible para escuchar al final de este post.

Todo sirve para esperar el inminente retorno de la banda, que además de Loveless el 7 de mayo lanza oficialmente las reediciones de Isn’t anything (1988) y 1988-1991, volumen que compila EPs, inéditos y rarezas.

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La histórica cantante y fundadora de Stereolab Laetitia Sadier muy pronto lanzará un nuevo disco. Silencio verá la luz el 24 de julio y contará con las colaboraciones de Sam Prekop (The Sea and Cake), James Elkington y su compañero en Stereolab Tim Gane.

Silencio es el sucesor de The trip, bien recibido debut discográfico de la cantante, publicado en 2010. El nuevo disco de Sadier tiene 12 canciones y será editado a través del sello Drag City. Escucha más abajo “By the sea”, extraído de su álbum The trip.

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El jueves 10 de mayo en Bar Candelaria (Isidora Goyenechea 3820) se presenta en formato DJ set Daniel Hunt aka Daniel IV, el cerebro de Ladytron. Junto a él, también aportarán en los controles Fernanda Arrau, Stgo Collective y cristian75.

Cortesía de la producción, tenemos 2 invitaciones dobles para regalar entre los que nos dejen su nombre y apellido en los comentarios.

Ganadores (Lista+1)

Ignacio Santiago Mena
María Consuelo Ulloa

Daniel IV DJ set
+Fernanda Arrau
cristian75
Stgocollective
Jueves 10 de mayo – 22:00 horas
Bar Candelaria
Isidora Goyenechea 3820
$5.000 preventa – $7.000 puerta
+Info

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Nueva Orleáns, alterego de Milton Mahan, mitad de Dënver, lanza este sábado “Mediterráneo”, primer sencillo de su próximo álbum como solista en el sello Michita Rex.

Además, junto a Mahan se presentará Fakuta junto a sus coristas y amigas The Laura Palmers. Todo desde las 21:00 horas en la sala SCD de Bellavista.

Tenemos 2 invitaciones simples para regalar entre los que nos dejen su nombre y apellido en los comentarios.

Ganadores

Daniela Benicasa
Rodrigo Sanhueza

Nueva Orleáns + Fakuta & The Laura Palmers
Sábado 5 de mayo – 21:00 horas
Sala SCD Bellavista (Santa Filomena 110)
$2.000
+Info

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